¿Es posible mantener un amor a distancia? ¿A diez mil kilómetros de
distancia, por ejemplo? Eso mismo plantea 10000 km (Marqués-Marcet,
2014) que vimos el viernes y nos gustó muchísimo. Así planteada parece
la típica comedia romanticona de sábado por la tarde, pero no. En primer
lugar porque rompe los clichés habituales de las comedias románticas,
en segundo lugar porque realmente no es una ocmedia y en tercer lugar
porque cuenta con un guión mucho más elaborado que la media de películas
tontas del género (a cargo del propio Carlos Marqués-Marcet y de Clara
Roquet) así por decir tres cosas a bote pronto.
Alex y Sergi tiene una consolidada relación que ya va para siete años. En un momento determinado Alex tiene la posibilidad de marcharse a Los Angeles para desarrollar su actividad artística por lo que surge el conflicto, el viaje, el miedo, la añoranza...la distancia.
Además, desde un
punto de vista técnico, 10000 km está elaborada de forma muy original en
donde las nuevas tecnologías ocupan, como cada vez más en nuestras
vidas, un lugar muy destacado, y así los protagonistas se comunican por
web cam (buena parte de la película está grabada en web cam) usan
facebook, o you tube o google maps que se incluyen en la película de tal
modo que los espectadores también vemos la pantalla del ordenador
mientras los protagonistas se comunican en lo que resulta una nueva forma de
comunicarse que cada vez va siendo menos nueva, pero que puede crear
nuevas posibilidades en el lenguaje cinematográfico.
A mí me resultó muy
original y creíble. Creíble también por la interpretación de los dos
únicos actores que participan en la película, otro acierto, doble, además. Construir una historia con solo dos personajes me parece muy difícil y está muy bien logrado. Por otro lado los dos actores son una gran revelación para mí: David Verdaguer, muy popular en la televisión catalana por participar en diferentes series interpreta a Sergi, mientras que Alex es interpretada por Natalia Tena, una actriz británica conocida por intervenir en Harry Potter o en Juego de Tronos, pero como yo no veo esas mierdas, me ha resultado también una revelación interesante.
10000km ha sido galardonada con numerosos premios, algunos muy prestigiosos. Ganó 5 premios Gaudí, los más importantes: el de mejor película de lengua no catalana, mejor director, guión, y actores femenino y masculino. En los Goya, Marqués-Marcet se llevó el de mejor director novel. Y en los europeos estuvo nominada a la mejor ópera prima, aunque no ganó.
Muy recomendable seguir la trayectoría de este director y, por supuesto, echarle un vistacito a la peli.
Os dejo el trailer
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lunes, 31 de agosto de 2015
jueves, 4 de septiembre de 2014
CINE COMPROMETIDO EN LA SALA BERLANGA DE MADRID
La Sala Berlanga, ese espacio en Madrid dedicado al cine menos comercial, organiza desde el próximo sábado un más que interesante ciclo en el que el compromiso político es el nexo de unión entre documentales filmados durante la Transición española y otros más recientes, a propósito en su mayoría de las movilizaciones en torno al 15M. Así, bajo el título "40 años no es nada", la asociación de cine documental (DOCMA) y la SGAE, junto al programa de RNE El cine que viene nos muestran el paralelismo entre una época de promesas y cambios como fue la Transición, con su consiguiente fracaso que constatamos en la actualidad, y estos días inciertos en los que también buena parte de la sociedad de nuestro país anhela un profundo cambio que mejore las condiciones socioeconómicas y regenere la vida política. Es muy interesante comprobar cómo existen muchas más similitudes de las que crees entre ambas épocas con lo que te recomiendo no faltar a la cita, que se prolonga hasta el 16 de septiembre, y asistir a los debates que tras las proyecciones se desarrollarán con la presencia de algunos de los protagonistas de los documentales.
Hace unas semanas le echaba un vistazo a "La España de los Botejara" una serie de TVE en la que Alfredo Amestoy mostraba la realidad de una familia media de la España de finales de los 70 y me sorprendía comprobando los parecidos con nuestra vida cotidiana. Me quedé con ganas de proyectar algunos fragmentos en clase.
pásate por la sala Berlanga y me cuentas, quieres?
Te dejo enlace con la web de la sala y el programa del ciclo.
Hace unas semanas le echaba un vistazo a "La España de los Botejara" una serie de TVE en la que Alfredo Amestoy mostraba la realidad de una familia media de la España de finales de los 70 y me sorprendía comprobando los parecidos con nuestra vida cotidiana. Me quedé con ganas de proyectar algunos fragmentos en clase.
pásate por la sala Berlanga y me cuentas, quieres?
Te dejo enlace con la web de la sala y el programa del ciclo.
jueves, 5 de diciembre de 2013
THE NEWSROOM
Hemos acabado la primera temporada de The Newsroom (no, al final Guillermo no nos la pasó y hemos tenido que apañárnoslas solitos) y nos ha encantado como ya esperábamos. Es cierto que tiene altibajos y esperamos que en en la segunda no se nos caiga aún más pero el resultado está a la altura de lo que uno puede esperar si lleva la firma de Aaron Sorkin: una maravillosa mezcla de intrigas políticas, humor inteligente, citas eruditas y buena música. Como incondicionales que éramos de El ala oeste de la Casa Blanca, la anterior serie de Sorkin, no teníamos ninguna duda de con qué nos íbamos a encontrar y no nos ha defraudado. Si en el Ala Oeste... la trama giraba en torno a la administración del Presidente de EEUU esta vez el hilo argumental es la redacción de un programa de noticias empeñado en devolverle al adjetivo periodístico el status que una vez tuvo.
De nuevo Sorkin se rodea de buenos y reconocidísimos actores como primeras figuras, seleccionados entre eso que en Estados Unidos llaman izquierdistas y que en Europa no llegan más que a centro izquierda, en el mejor de los casos. Martin Sheen era el Presidente Barlett en El Ala oeste... ahora Jeff Daniels es el presentador de Noticias Will Mc Avoy, acompañado nada menos que por Sam Waterstone (le recordarás de pelis comprometidas de finales de los setenta: Los gritos del Silencio, Capricornio 1, El gran Gatsby...) Y la mismísima Jane Fonda de la que poco más puedo añadir como icono de la izquierda hippy que se casa con Ted Turner, así funciona en USA.
El resto de actores son desconocidos para mí salvo la británica Emily Mortimer a la que vimos en Match Point y el también inglés Dev Patel, el de esa horripilante cosa llamada Slumdog Millionaire.
Vemos la serie en español por no perdernos palabra de los ingeniosos diálogos y nos perdemos parte de la interpretación pero, en realidad, me importa poco porque, pese a que Jeff daniels ha participado en películas interesantes ( La Rosa Púrpura de El Cairo...y ahora mismo no se me ocurre qué más) siempre le relaciono con otras mucho más estúpidas como (Aracnofobia, Dos tontos muy tontos o 101 Dálmatas) y qué quieres, no puedo evitar verle fuera de lugar en algo serio. Igual no habia otro disponible o algo (se me ocurren tres o cuatro a bote pronto a quienes le pega el papel mucho mejor: Miguel Ferrer, Kelsey Grammer o Alan Rickman, y sin pensar, que seguro que si pienso...)
Bueno, empezaremos la segunda temporada en breve. En Estados Unidos ya han anunciado una tercera para finales de 2014. Ya te iré contando
De momento te dejo con el incio de la serie, cuidado, engancha.
De nuevo Sorkin se rodea de buenos y reconocidísimos actores como primeras figuras, seleccionados entre eso que en Estados Unidos llaman izquierdistas y que en Europa no llegan más que a centro izquierda, en el mejor de los casos. Martin Sheen era el Presidente Barlett en El Ala oeste... ahora Jeff Daniels es el presentador de Noticias Will Mc Avoy, acompañado nada menos que por Sam Waterstone (le recordarás de pelis comprometidas de finales de los setenta: Los gritos del Silencio, Capricornio 1, El gran Gatsby...) Y la mismísima Jane Fonda de la que poco más puedo añadir como icono de la izquierda hippy que se casa con Ted Turner, así funciona en USA.
El resto de actores son desconocidos para mí salvo la británica Emily Mortimer a la que vimos en Match Point y el también inglés Dev Patel, el de esa horripilante cosa llamada Slumdog Millionaire.
Vemos la serie en español por no perdernos palabra de los ingeniosos diálogos y nos perdemos parte de la interpretación pero, en realidad, me importa poco porque, pese a que Jeff daniels ha participado en películas interesantes ( La Rosa Púrpura de El Cairo...y ahora mismo no se me ocurre qué más) siempre le relaciono con otras mucho más estúpidas como (Aracnofobia, Dos tontos muy tontos o 101 Dálmatas) y qué quieres, no puedo evitar verle fuera de lugar en algo serio. Igual no habia otro disponible o algo (se me ocurren tres o cuatro a bote pronto a quienes le pega el papel mucho mejor: Miguel Ferrer, Kelsey Grammer o Alan Rickman, y sin pensar, que seguro que si pienso...)
Bueno, empezaremos la segunda temporada en breve. En Estados Unidos ya han anunciado una tercera para finales de 2014. Ya te iré contando
De momento te dejo con el incio de la serie, cuidado, engancha.
viernes, 28 de diciembre de 2012
EL BESO DE LA MUJER ARAÑA
Boquitas Pintadas es la única novela de Manuel Pig que he leído. En realidad no la terminé. Era una lectura obligatoria en 2º de BUP (4º de ESO) y no creó que nadie de clase la terminara, ni si quiera Mari, aunque el otro día aseguraba que sí. No me parece una lectura para chavales de quince años, aunque podría ponerme con ella ahora y contarte. Sin embargo tengo cierta predilección hacia El beso de la mujer araña, aunque tampoco he leído la novela, pero ví una adaptación teatral en la tele, cuando tenía más o menos esos quince años, y me encantó. La película (Héctor Babenco, 1985) la ví tiempo después con el mismo resultado. La revisitamos hace unos días y sigue encantándome.Tal vez encantar sea decir demasiado pero creo que es muy buena, tanto como para recomendártela.
Ya sabes, la historia de Molina y Arregui, presos en una cárcel latinoamericana (argentina en la novela, brasileña en la película, pero qué más da, Plan Cóndor por medio) El primero por homosexual, el segundo un preso político. El primero con una visión hedonista de la vida, el segundo es el compromiso por la Libertad, que él entiende con mayúsculas. El primero habla de películas que va inventando para no desvelar quién es realmente, el segundo le reprocha que la realidad es mucho más compleja. Y esa relación antagónica converge, como no puede ser de otro modo, en una simbiosis de amistad y comprensión mútua de final inesperado.
La vimos en versión original, porque ahora estudio inglés,( ya ves tú) y William Hurt, un estupendo Molina, por el que se llevó el Oscar al mejor actor, habla sin demasiado acento y es fácil entenderle, y porque Arregui, el siempre comprometido Raúl Julià, era puertorriqueño en realidad y le entiendo peor que a Hurt, pero le entiendo al menos cuando grita.
Una buena ocasión para ver buen cine político en la inmensidad de esas películas horrendas ambientadas en Navidad.
te dejo el trailer y me cuentas
Ya sabes, la historia de Molina y Arregui, presos en una cárcel latinoamericana (argentina en la novela, brasileña en la película, pero qué más da, Plan Cóndor por medio) El primero por homosexual, el segundo un preso político. El primero con una visión hedonista de la vida, el segundo es el compromiso por la Libertad, que él entiende con mayúsculas. El primero habla de películas que va inventando para no desvelar quién es realmente, el segundo le reprocha que la realidad es mucho más compleja. Y esa relación antagónica converge, como no puede ser de otro modo, en una simbiosis de amistad y comprensión mútua de final inesperado.
La vimos en versión original, porque ahora estudio inglés,( ya ves tú) y William Hurt, un estupendo Molina, por el que se llevó el Oscar al mejor actor, habla sin demasiado acento y es fácil entenderle, y porque Arregui, el siempre comprometido Raúl Julià, era puertorriqueño en realidad y le entiendo peor que a Hurt, pero le entiendo al menos cuando grita.
Una buena ocasión para ver buen cine político en la inmensidad de esas películas horrendas ambientadas en Navidad.
te dejo el trailer y me cuentas
lunes, 5 de noviembre de 2012
GOOD BYE, LENIN!
No por casualidad vimos, ¿por tercera vez? Good Bye, Lenin! (Becker, 2003) este fin de semana. No te voy a descrubir la película a estas alturas, aunque sorprende comprobar que ya tiene diez años, es sumamente conocida la historia de Alex, cuya madre sale de un coma meses después de la desaparición del Muro de Berlín, y cómo construye una realidad ficticia en la que la RDA todavía existe para evitar un disgusto, que pudiera ser fatal, a su madre fiel pero crítica defensora del sistema socialista. Así, a bote pronto se me ocurre que ya Matrix o la monumental Blade Runner como planteamientos de realidades ficticias, o incluso La Vida Es Sueño, pero Good Bye Lenin! no se queda atrás, además del humor ácido que aporta.
Circulaba un chiste igualmente cruel por los países del extinto bloque soviético en los años noventa que decía: todo lo que nos contaron del socialismo era mentira; lo malo es que todo lo que nos contaron del capitalismo era cierto. En la película se puede comprobar cómo el captalismo entra de forma brutal en la RDA provocando paro, aumento de desigualdades, frustación ante expectativas incumplidas, lo que obliga a Alex a transformar esa realidad construyendo para su madre una RDA que tampoco era la RDA real sino la que a su madre le hubiera gustado conocer. El discurso final de un supuesto sucesor de Honecker, inventado por Alex, es no sólo emotivo sino, visto en perspectiva, nostálgico:
...sabemos que nuestro país no es perfecto pero los ideales en los que creemos siguen inspirando a gentes de todo el mundo, puede que, a veces, hayamos olvidado nuestros objetivos pero hemos vuelto a retomarlos. Ser socialista no significa estar cerrado al mundo, ser socialista es aceptar a los demás y saber convivir con ellos, no basta con soñar con un mundo mejor hay que hacerlo realidad...
No digo que en los países del bloque soviético se viviera estupendamente, de echo los años 80 son bastante difíciles para ellos, pero es evidente que ni ese horror (error?) llamado Perestroika ni la desarticulación del estado por parte de las políticas neoliberales consiguieron mejorar la situación, más aún la empeoraron hasta grados desconocidos antes de la Segunda Guerra Mundial.
Sería una buena lectura revisitar la Europa del Este de los noventa para recordar con perspectiva histórica cómo las políticas que hoy en día aplican buena parte de los gobiernos europeos no hacen sino ahondar en las desigualdades sociales o en la crisis generalizada de la que no saldremos salvo que olvidemos las recetas ya fracasdas de Hayeck, Friedman y demás gurús del capitalismo, de ahí que no por casualidad viéramos ...
te dejo el trailer en español de Good Bye, Lenin! recomendándote que vuelvas a verla, seguro que te sorprende otra vez.
Circulaba un chiste igualmente cruel por los países del extinto bloque soviético en los años noventa que decía: todo lo que nos contaron del socialismo era mentira; lo malo es que todo lo que nos contaron del capitalismo era cierto. En la película se puede comprobar cómo el captalismo entra de forma brutal en la RDA provocando paro, aumento de desigualdades, frustación ante expectativas incumplidas, lo que obliga a Alex a transformar esa realidad construyendo para su madre una RDA que tampoco era la RDA real sino la que a su madre le hubiera gustado conocer. El discurso final de un supuesto sucesor de Honecker, inventado por Alex, es no sólo emotivo sino, visto en perspectiva, nostálgico:
...sabemos que nuestro país no es perfecto pero los ideales en los que creemos siguen inspirando a gentes de todo el mundo, puede que, a veces, hayamos olvidado nuestros objetivos pero hemos vuelto a retomarlos. Ser socialista no significa estar cerrado al mundo, ser socialista es aceptar a los demás y saber convivir con ellos, no basta con soñar con un mundo mejor hay que hacerlo realidad...
No digo que en los países del bloque soviético se viviera estupendamente, de echo los años 80 son bastante difíciles para ellos, pero es evidente que ni ese horror (error?) llamado Perestroika ni la desarticulación del estado por parte de las políticas neoliberales consiguieron mejorar la situación, más aún la empeoraron hasta grados desconocidos antes de la Segunda Guerra Mundial.
Sería una buena lectura revisitar la Europa del Este de los noventa para recordar con perspectiva histórica cómo las políticas que hoy en día aplican buena parte de los gobiernos europeos no hacen sino ahondar en las desigualdades sociales o en la crisis generalizada de la que no saldremos salvo que olvidemos las recetas ya fracasdas de Hayeck, Friedman y demás gurús del capitalismo, de ahí que no por casualidad viéramos ...
te dejo el trailer en español de Good Bye, Lenin! recomendándote que vuelvas a verla, seguro que te sorprende otra vez.
martes, 28 de junio de 2011
EL CIELO SOBRE PETER FALK
¿Cómo puede ser que yo, el que yo soy,
no fuera antes de devenir; y que un día yo,
el que yo soy, no seré más ese que soy?
Peter Handke. El cielo sobre Berlín
Prometeme que cuando muera, moriré probablemente antes que vos, evitarás los lugares comunes, evitarás decir que era un buen tipo o que me gustaba mi trabajo. No digas eso, por favor. No digas que era un buen amigo, de esos con los que siempre se puede contar, que tenía una frase amable, que sabía escuchar. No digas que hice lo que quise o que no me vendí. No digas que te amé. Diles simplemente que existí. Que dormí a tu lado. Que una vez nos miramos y no volvimos a decirnos nada.
es increible la cantidad de idioteces que he podido leer a propósito de la muerte de Peter Falk. Me quedo con el adjetivo entrañable, que casi es un insulto para un enorme, monumental, actor. A nosotros nos encantó en El cielo sobre Berlín (Wenders, 1987) el poema visual de Win Wenders y Peter Handke en el que el ángel Damiel cae en la fatalidad de enamorarse de una mujer, una trapecista, por quien renuncia a su inmortalidad. La capacidad de improvisación de Falk en un film que comenzó a rodarse sólo con una vaga idea de lo que Winders pretendía demuestra que hay muchísimos adjetivos que añadir a su nombre que el de entrañable.
Enorme película.
Échale un vistacito y me cuentas.
viernes, 10 de junio de 2011
AFTER HOURS. SCORSESE DEJANDO A UN LADO A SCORSESE
En uno de esos añoradísimos cafés de los lunes Raúl nos recomendaba Munich y nosotros (Solange y yo) tan snobs, tan elite, tan europeos respondimos que no la habíamos visto porque no nos podíamos permitir una película de Spilberg. Debo reconocer que El diablo sobre ruedas o, incluso, Tiburón, me gustan, pero no soporto el resto. Con Scorsese pasa igual, hay una especie de moda intelectualoide que nos impide apreciarde una peli de Scorsese, aunque en este caso el speudo intelectual suele verla para decir que es una bazofia al menos con argumentos, con las de Spilberg se da por supuesto. Y sin embargo, sé que es difícil de aceptar, hubo un tiempo en que Scorsese hacía buenas películas. Taxi Driver, Toro Salvaje, Uno de los nuestros (fíjate si ésta es buena que hasta Ray Liotta está bien) Apuntes del natural... están entre mis preferidas, nada que ver con la tediosa y larguísima Gangs of New York o esa idiotez de Infiltrados, por la que le dieron el Oscar.
Entre esas películas de entonces una comedia inteligentísima rodada con mucha frescura y con golpes de efecto visuales realmente sorprendente. Antes de que se le olvidase colocar la cámara Scorsese firmó After Hours (Scorsese, 1985) en España le cambiaron el título por el mucho más estúpido Jo, qué noche! supongo que para probar que aquí podemos ser aún más idiotas que en cualquier otra parte.
El anodino y atribulado Paul Hackett ( un divertido Griffin Dunne, además productor de la peli) conoce en el café de siempre a la universitaria Mercy (la guapísima Rosanna Arquette. Esta chica es la Scarlett Johansson de los ochenta más doscientos kilos de cualquier sustancia estupefaciente) quien le da su número de teléfono y le propone quedar. Tras numerosas vacilaciones, Paul, que está deseando cambiar su aburrida vida, decide llamarla y quedan esa misma noche comenzando así una auténtica odisea por un Nueva York nocturno en el que Hackett se encuentra totalmente perdido, enfrentándose a una serie de surrealistas situaciones protagonizadas por la nocturna fauna que sólo una gran ciudad puede albergar.
Arropado por una colección de secundarios de lujo, Teri Garr (era la madre de Phoebe en Friends) o el otrora guaperas John Heard, (que ha sabido reconvertirse muy bien, la última vez que le vimos fue en Prison Break haciendo de Gobernador de Illinois) pasando por la enigmática Linda Fiorentino (la vimos en Dogma) o el siempre recurrente Dick Miller (ese tipo que sale en todas las películas de los ochenta haciendo un pequeño papelito de taxista o de camarero o del padre de la chica de la que se enamora el protagonista. De hecho, nosotros le conocemos como el de los Gremlins. Ya sabes, verdad?) completan una maravillosa y alocada pesadilla de la que Paul querrá despertar cuanto antes.
Sin el éxito de otras de sus obras After Hours es, sin embargo, una película de culto de esas que aparecen muy de vez en cuando, con un guión absolutamente redondo y una forma de desarrollarlo que logra matizar aquello de que Scorsese es uno de los directores más sobrevalorados de la historia del cine
Os dejo el trailer en inglés y os animo a que la descubraís o bien la revisitéis. Esta noche será la quinta o sexta vez que la veamos nosotros y nos cansa.
Entre esas películas de entonces una comedia inteligentísima rodada con mucha frescura y con golpes de efecto visuales realmente sorprendente. Antes de que se le olvidase colocar la cámara Scorsese firmó After Hours (Scorsese, 1985) en España le cambiaron el título por el mucho más estúpido Jo, qué noche! supongo que para probar que aquí podemos ser aún más idiotas que en cualquier otra parte.
El anodino y atribulado Paul Hackett ( un divertido Griffin Dunne, además productor de la peli) conoce en el café de siempre a la universitaria Mercy (la guapísima Rosanna Arquette. Esta chica es la Scarlett Johansson de los ochenta más doscientos kilos de cualquier sustancia estupefaciente) quien le da su número de teléfono y le propone quedar. Tras numerosas vacilaciones, Paul, que está deseando cambiar su aburrida vida, decide llamarla y quedan esa misma noche comenzando así una auténtica odisea por un Nueva York nocturno en el que Hackett se encuentra totalmente perdido, enfrentándose a una serie de surrealistas situaciones protagonizadas por la nocturna fauna que sólo una gran ciudad puede albergar.
Arropado por una colección de secundarios de lujo, Teri Garr (era la madre de Phoebe en Friends) o el otrora guaperas John Heard, (que ha sabido reconvertirse muy bien, la última vez que le vimos fue en Prison Break haciendo de Gobernador de Illinois) pasando por la enigmática Linda Fiorentino (la vimos en Dogma) o el siempre recurrente Dick Miller (ese tipo que sale en todas las películas de los ochenta haciendo un pequeño papelito de taxista o de camarero o del padre de la chica de la que se enamora el protagonista. De hecho, nosotros le conocemos como el de los Gremlins. Ya sabes, verdad?) completan una maravillosa y alocada pesadilla de la que Paul querrá despertar cuanto antes.
Sin el éxito de otras de sus obras After Hours es, sin embargo, una película de culto de esas que aparecen muy de vez en cuando, con un guión absolutamente redondo y una forma de desarrollarlo que logra matizar aquello de que Scorsese es uno de los directores más sobrevalorados de la historia del cine
Os dejo el trailer en inglés y os animo a que la descubraís o bien la revisitéis. Esta noche será la quinta o sexta vez que la veamos nosotros y nos cansa.
martes, 3 de mayo de 2011
LA PRINCESA LEIA POR LOS SUELOS. POSTALES DESDE EL FILO
Nadie escarmienta en cabeza ajena, nos dijo la madre de un heroinómano de mi barrio a la que entrevistamos para una revista local, hace ya muchos años. La frase la utilizamos como título para la nota porque, aunque sea cierto, sí nos parecía necesaria la información para, si no escarmentar, al menos estar prevenido.
Me acordaba de esto el otro día viendo Postales desde el filo (Nichols, 1990), la adaptación al cine de la novela autobiográfica de Carrie Fisher,en la que la propia actriz también participó como guionista. Cierto que la película no nos gustó demasiado pero es un más que interesante reflejo de una fama mal llevada, una familia desestructurada, una madre alcoholizada o un Hollywood envidioso y/o mezquino. Contado así, y si te digo que está protagonizada por Meryl Streep parece que se trata del dramón del siglo pero Fisher es capaz de reirse de sí misma, y consigue construir una divertida comedia con algún que otro toque de sarcástica irónia de la que duele cuando te paras a pensar. Junto a Meryl Streep una tremenda Shirley MacLaine interpretando(se?) el papel de nefasta madre o los cameos de quienes quisieron colaborar con el proyecto casi desinteresadamente, Gene Hackman, Richard Dreyfuss o Rob Reiner. Dennis Quaid hace de novio imbécil (qué bien hacía de novio imbécil este chico, ahora relegado por Ben Affleck) y los casi debutantes Annette Bening y Oliver Platt cierran el conocido reparto.
Para los chicos de mi generación hay un momento cinematográfico cumbre, de los que marcan un antes y un después: la Princesa Leia convertida en prisionera de Jabba The Hut. Supongo que era uno de los motivos para ver Postales desde el filo, que cinematográficamente hablando no nos llegaba demasiado, pero la vida de Carrie Fisher y su posterior decadencia son realmente significativas, incluso desde un punto de vista clínico. Hija de Debbie Reynolds, sí hombre!, la de Cantando bajo la lluvia, vive los fracasos sentimentales de una madre alcohólica y despreocupada, motivo por el que s econvierte en una adolescente problemática? mientras casi sin querer le llega, con apenas 21 años, la fama intergaláctica gracias a la Princesa Leila. A partir de ahí, y apesar de participar en algunas de mis películas favoritas; The Blues Brothers (Landis, 1980) Hannah y sus hermanas (Allen, 1986) Cuando Harry encontró a Sally (Reiner, 1989) la carrera de Carrie Fisher caía en picado de forma inversamente proporcional al consumo de drogas hasta que, en 1990, el internamiento en una clínica de desintoxicación le permitió recuperar parte de su vida cinematográfica para regresar como una secundaria, de esas que dices: "Anda! pero si es..." sin demasiado éxito pero supongo que para ir tirando sí le da.
Ahora que caigo, el chico heroinómano de mi barrio no tenía dinero para pagarse una clínica de rehabilitación y su madre nos tuvo que dejar para visitarle en Carabanchel, cosas de las desigualdades de clase.
Te dejo el tema final de Postales dese el filo se llevó el Oscar a la mejor canción, es cosa de los Blue Rodeo, una banda canadiense de country.
y, por supuesto, a Leia prisionera de Jabba the Hut
Me acordaba de esto el otro día viendo Postales desde el filo (Nichols, 1990), la adaptación al cine de la novela autobiográfica de Carrie Fisher,en la que la propia actriz también participó como guionista. Cierto que la película no nos gustó demasiado pero es un más que interesante reflejo de una fama mal llevada, una familia desestructurada, una madre alcoholizada o un Hollywood envidioso y/o mezquino. Contado así, y si te digo que está protagonizada por Meryl Streep parece que se trata del dramón del siglo pero Fisher es capaz de reirse de sí misma, y consigue construir una divertida comedia con algún que otro toque de sarcástica irónia de la que duele cuando te paras a pensar. Junto a Meryl Streep una tremenda Shirley MacLaine interpretando(se?) el papel de nefasta madre o los cameos de quienes quisieron colaborar con el proyecto casi desinteresadamente, Gene Hackman, Richard Dreyfuss o Rob Reiner. Dennis Quaid hace de novio imbécil (qué bien hacía de novio imbécil este chico, ahora relegado por Ben Affleck) y los casi debutantes Annette Bening y Oliver Platt cierran el conocido reparto.
Para los chicos de mi generación hay un momento cinematográfico cumbre, de los que marcan un antes y un después: la Princesa Leia convertida en prisionera de Jabba The Hut. Supongo que era uno de los motivos para ver Postales desde el filo, que cinematográficamente hablando no nos llegaba demasiado, pero la vida de Carrie Fisher y su posterior decadencia son realmente significativas, incluso desde un punto de vista clínico. Hija de Debbie Reynolds, sí hombre!, la de Cantando bajo la lluvia, vive los fracasos sentimentales de una madre alcohólica y despreocupada, motivo por el que s econvierte en una adolescente problemática? mientras casi sin querer le llega, con apenas 21 años, la fama intergaláctica gracias a la Princesa Leila. A partir de ahí, y apesar de participar en algunas de mis películas favoritas; The Blues Brothers (Landis, 1980) Hannah y sus hermanas (Allen, 1986) Cuando Harry encontró a Sally (Reiner, 1989) la carrera de Carrie Fisher caía en picado de forma inversamente proporcional al consumo de drogas hasta que, en 1990, el internamiento en una clínica de desintoxicación le permitió recuperar parte de su vida cinematográfica para regresar como una secundaria, de esas que dices: "Anda! pero si es..." sin demasiado éxito pero supongo que para ir tirando sí le da.
Ahora que caigo, el chico heroinómano de mi barrio no tenía dinero para pagarse una clínica de rehabilitación y su madre nos tuvo que dejar para visitarle en Carabanchel, cosas de las desigualdades de clase.
Te dejo el tema final de Postales dese el filo se llevó el Oscar a la mejor canción, es cosa de los Blue Rodeo, una banda canadiense de country.
y, por supuesto, a Leia prisionera de Jabba the Hut
lunes, 25 de abril de 2011
LOS GRITOS DEL SILENCIO
Cansados de repetidos fracasos cinematográficos recurrimos, en estas vacaciones, a revisionar viejos clásicos que sabíamos de antemano no nos iban a decepcionar, amén de un par de series cuyas primeras temporadas hemos visto de un tirón: la, un tanto edulcorada, Downton Abbey y la casi desagradable (y fantástica) Boardwalk Empire, con dos protagonistas de lujo, Hugh Bonneville, en la primera, a quien ya habíamos visto en un papel pequeñito de la soporífera Mansfield Park, y el grandísimo Steve Buscemi, en la segunda, a quien hemos visto, entre otras, en casi todas las de los Cohen.
Los clásicos rondaron desde Historias de Nueva York, (tengo que dedicarle una entrada a Apuntes del natural) hasta Qué me pasa doctor? Horripilante traducción de Wath's up, doc? que, como todo el mundo sabe, en español se traduce como Qué hay de nuevo, viejo? Éxitos garantizados como la magnífica ópera prima del irregular Roland Joffé The Killing Fields que vimos en la Sexta 3, de pronto la cadena de televisión que más vemos, entre otras cosas porque no vemos nada la tele.
The Killing Fields (Joffé, 1984) es la historia real de Syd Schamberg, corresponsal del NY Times en Camboya, durante la Guerra de Vietnam, quien descubriera que EEUU estaba atacando objetivos en este país sin previa declaración de guerra, y su traductor y fotógrafo Dith Pran. En 1980 Schamberg escribió en su periódico un articulo en el que explicaba la suerte de su compañero Pran luego de la retirada de EEUU de Vietnam y la implantación de la dictadura ultra nacionalista de los Jemeres Rojos en Camboya, dictadura que sometió a Pran, como al resto de la población, a un régimen de semiesclavitud feudal y exterminio racista, en 1975, que sólo acabó tras la intervención de Vietnam en 1979 y la implantación de un régimen socialista en Camboya, convirtiéndose entonces los Jemeres Rojos en una guerrilla terrorista, auspiciada por China y EEUU, para debilitar al gobierno pro vietnamita.
Con un título, mucho más evocador, Los Gritos del Silencio, se estrenó en España acompañado de la edición del libro del propio Schamberg en el que relata todas las calamidades sufridas por Pran y su compañero, libro que, no sé por qué motivo apareció tiempo después en casa, yo tendría unos doce o trece años, y que me encantó aun sin entender la mitad, o más de la mitad, de lo que allí se narraba.
Protagonizada por el estupendísimo Sam Waterston, muy conocido en los setenta y principios de los ochenta, le vimos en El Gran Gastby o en Capricornio 1, hoy más famoso por Ley y Orden, y Haing S. Ngor, (camboyano ganador del óscar al mejor actor de reparto por su interpretación de Pran, a quien no le dió tiempo a protagonizar muchas películas más pues fue asesinado, unos diez años después, por una banda de delincuentes que lo asaltaron para robarle el reloj, Los gritos del silencio, que cuenta también como secundario con el siempre magnífico John Malkovich, fue el esperanzador debut de Joffé en la dirección a la que le seguiría la maravillosa La Misión donde su espíritu de denunca social y buen hacer cinematográfico se hacen más evidentes, para después perderse un tanto en La ciudad de la Alegria y sucumbir del todo con Super Mario Bros. Acaba de estrenar la insípìda Encontrarás Dragones, otra que vimos estas vacaciones.
te dejo el trailer de Los gritos del Silencio
y un video con el archiconocido tema de los títulos finales que firmaba Mike Oldfield, como el resto de la banda sonora.
Los clásicos rondaron desde Historias de Nueva York, (tengo que dedicarle una entrada a Apuntes del natural) hasta Qué me pasa doctor? Horripilante traducción de Wath's up, doc? que, como todo el mundo sabe, en español se traduce como Qué hay de nuevo, viejo? Éxitos garantizados como la magnífica ópera prima del irregular Roland Joffé The Killing Fields que vimos en la Sexta 3, de pronto la cadena de televisión que más vemos, entre otras cosas porque no vemos nada la tele.
The Killing Fields (Joffé, 1984) es la historia real de Syd Schamberg, corresponsal del NY Times en Camboya, durante la Guerra de Vietnam, quien descubriera que EEUU estaba atacando objetivos en este país sin previa declaración de guerra, y su traductor y fotógrafo Dith Pran. En 1980 Schamberg escribió en su periódico un articulo en el que explicaba la suerte de su compañero Pran luego de la retirada de EEUU de Vietnam y la implantación de la dictadura ultra nacionalista de los Jemeres Rojos en Camboya, dictadura que sometió a Pran, como al resto de la población, a un régimen de semiesclavitud feudal y exterminio racista, en 1975, que sólo acabó tras la intervención de Vietnam en 1979 y la implantación de un régimen socialista en Camboya, convirtiéndose entonces los Jemeres Rojos en una guerrilla terrorista, auspiciada por China y EEUU, para debilitar al gobierno pro vietnamita.
Con un título, mucho más evocador, Los Gritos del Silencio, se estrenó en España acompañado de la edición del libro del propio Schamberg en el que relata todas las calamidades sufridas por Pran y su compañero, libro que, no sé por qué motivo apareció tiempo después en casa, yo tendría unos doce o trece años, y que me encantó aun sin entender la mitad, o más de la mitad, de lo que allí se narraba.
Protagonizada por el estupendísimo Sam Waterston, muy conocido en los setenta y principios de los ochenta, le vimos en El Gran Gastby o en Capricornio 1, hoy más famoso por Ley y Orden, y Haing S. Ngor, (camboyano ganador del óscar al mejor actor de reparto por su interpretación de Pran, a quien no le dió tiempo a protagonizar muchas películas más pues fue asesinado, unos diez años después, por una banda de delincuentes que lo asaltaron para robarle el reloj, Los gritos del silencio, que cuenta también como secundario con el siempre magnífico John Malkovich, fue el esperanzador debut de Joffé en la dirección a la que le seguiría la maravillosa La Misión donde su espíritu de denunca social y buen hacer cinematográfico se hacen más evidentes, para después perderse un tanto en La ciudad de la Alegria y sucumbir del todo con Super Mario Bros. Acaba de estrenar la insípìda Encontrarás Dragones, otra que vimos estas vacaciones.
te dejo el trailer de Los gritos del Silencio
y un video con el archiconocido tema de los títulos finales que firmaba Mike Oldfield, como el resto de la banda sonora.
martes, 5 de abril de 2011
YVES Y CRISTINA DESCANSAN EN PAZ
Con el título El caso Melincué (Habegger, 2010), el pasado 24 de marzo, día en que se cumplian 35 años del golpe de estado que desencadenó la última dictadura militar sufrida en Argentina, la televisión pública argentina ofrecía un emotivo documental en el que se narra cómo un trabajo escolar elaborado por un grupo de estudiantes de secundaria daba pie al esclarecimiento de la desaparición del ciudadano francés Yves Domergue, y de su compañera, la mexicana Cristina Cialceta, secuestrados y asesinados por los militares argentinos unos pocos meses después del golpe de estado.
En 2003, los alumnos de último curso de la Escuela Pablo Pizzurno, en Melincué, (provincia de Santa Fe) redactaron, para la asignatura Educación ética y ciudadana (una especie de Ciudadanía de aquí pero para los de 2º de Bachillerato)un informe sobre los dos cuerpos sepultados bajo lápidas sin nombre en el cementerio local, después de haber sido encontrados en las proximidades con signos de violencia y varios disparos en sus cuerpos. El informe de los alumnos sirvió de base para que las asociaciones que buscan a los desaparecidos iniciaran una investigación que acabó, siete años después, en 2010, con la identificación de los cadáveres y la entrega de los restos a sus familiares que llevaban 34 años buscándolos.
Échale un vistazo a los tres videos en que se divide el documental y ya me cuentas. Realmente emocionante, además de reconfortante, comprobar cómo, en más ocasiones de las que creemos, lo aprendido en clase sirve como modelo para crear una sociedad más justa. Nuestra asignatura de Ciudadanía, que me encanta impartir y llevo ya tres años en ello, también cuenta con un tema relacionado con los Derechos Humanos, ya sabes la cantidad de voces en contra que se levantaron contra la asignatura o contra quienes reclaman encontrar los restos de los desaparecidos en España víctimas de la dictadura franquista.
El 24 de marzo es festivo en Argentina, el Día de la Memoria lo llaman.
¿te imaginas si la Educación sirviera para aprender y, en su caso, no olvidar qué y quiénes somos?
En 2003, los alumnos de último curso de la Escuela Pablo Pizzurno, en Melincué, (provincia de Santa Fe) redactaron, para la asignatura Educación ética y ciudadana (una especie de Ciudadanía de aquí pero para los de 2º de Bachillerato)un informe sobre los dos cuerpos sepultados bajo lápidas sin nombre en el cementerio local, después de haber sido encontrados en las proximidades con signos de violencia y varios disparos en sus cuerpos. El informe de los alumnos sirvió de base para que las asociaciones que buscan a los desaparecidos iniciaran una investigación que acabó, siete años después, en 2010, con la identificación de los cadáveres y la entrega de los restos a sus familiares que llevaban 34 años buscándolos.
Échale un vistazo a los tres videos en que se divide el documental y ya me cuentas. Realmente emocionante, además de reconfortante, comprobar cómo, en más ocasiones de las que creemos, lo aprendido en clase sirve como modelo para crear una sociedad más justa. Nuestra asignatura de Ciudadanía, que me encanta impartir y llevo ya tres años en ello, también cuenta con un tema relacionado con los Derechos Humanos, ya sabes la cantidad de voces en contra que se levantaron contra la asignatura o contra quienes reclaman encontrar los restos de los desaparecidos en España víctimas de la dictadura franquista.
El 24 de marzo es festivo en Argentina, el Día de la Memoria lo llaman.
¿te imaginas si la Educación sirviera para aprender y, en su caso, no olvidar qué y quiénes somos?
miércoles, 9 de marzo de 2011
USO MIS MANOS, USO MIS IDEAS.
Mi visión de la alfabetización va más allá del ba, be, bi, bo, bu. Porque implica una comprensión crítica de la realidad social, política y económica en la que está el alfabetizado.
Paulo Freire
Paulo Freire
Acabo de ver Uso mis manos, uso mis ideas (Colectivo Mascaró, 2003) emocionante documental que narra la experiencia de alfabetización de adultos en Villa Obrera, barrio deprimido del ya deprimido pueblito de Centenario, en la provincia de Neuquen, al oeste de Argentina. El documental combina imágenes de 1973 con los resultados en el siglo XXI de la labor que los educadores llevaron a cabo, de tal modo, que los propios protagonistas muestran cuáles fueron los logros que cosecharon con la iniciativa.
Sin embargo, el proyecto no consistió sencillamente en un proceso de alfabetización, sino que éste estaba planteado para transformar a la población analfabeta en ciudadanos responsables mediante el análisis crítico de la realidad. Se trataba de una pedagogía, llámala, militante si quieres, basada en los éxitos en materia educativa de la revolución cubana y en los planteamientos educativos del pedagogo brasileño Paulo Freire, quien, próximo a la Teología de la Liberación y a un cristianismo de base, planteba la necesidad de transformar la pedagogía tradicional, basada en un planteamiento vertical en la que el docente es la cúspide de un triángulo del conocimeinto, por una pedagogía horizontal, en la que todos los actores implicados en el proceso educativo participen en igualdad de condiciones, siendo conscientes de sus cometidos en el proceso.
Un tipo que tiene una tesis sobre el Indianismo Horizontal, como comprenderás, está completamente posicionado con esta Pedagogía de la libertad, como la llamó Neill, o con el carácter revolucionario que la Pedagogía contiene de forma intrínseca, como sugiere Illich.
Sin embargo, el proyecto no consistió sencillamente en un proceso de alfabetización, sino que éste estaba planteado para transformar a la población analfabeta en ciudadanos responsables mediante el análisis crítico de la realidad. Se trataba de una pedagogía, llámala, militante si quieres, basada en los éxitos en materia educativa de la revolución cubana y en los planteamientos educativos del pedagogo brasileño Paulo Freire, quien, próximo a la Teología de la Liberación y a un cristianismo de base, planteba la necesidad de transformar la pedagogía tradicional, basada en un planteamiento vertical en la que el docente es la cúspide de un triángulo del conocimeinto, por una pedagogía horizontal, en la que todos los actores implicados en el proceso educativo participen en igualdad de condiciones, siendo conscientes de sus cometidos en el proceso.
Un tipo que tiene una tesis sobre el Indianismo Horizontal, como comprenderás, está completamente posicionado con esta Pedagogía de la libertad, como la llamó Neill, o con el carácter revolucionario que la Pedagogía contiene de forma intrínseca, como sugiere Illich.
Sin embargo su aplicación con mis alumnos de este año me está costando mucho más de lo que me es habitual, supongo que porque es muy difícil acabar con los prejuicios y los saberes preconcebidos que algunos de mis alumnos evidencian sin ningún reparo, o, en la mayoría de los casos, porque resulta más difícil aún combatir la apatía de los post adolescentes de las generaciones del Gran Hermano. Pero, bueno, ahí vamos.
Mira, puedo incrustar (Incrustar? pero qué clase de verbo es ese?) el video directamnete en la entrada, asi que te sugiero que te quedes un ratito más en A veces llueve, de lo que te quedas habitualmente, y me cuentas.
aunque parece que no lo hice del todo bien, así que también puedes ir directamente a la fuente
http://video.google.com/videoplay?docid=-5772239458009258651##
martes, 2 de noviembre de 2010
ROME IS BURNING. LEONES POR CORDEROS
Roma está ardiendo y el poblema no es quién lo inició sino que nosotros no hacemos nada, le dice el doctor Malley a uno de sus mejores alumnos invitándole a que despierte, a que se involucre, a que sea un ciudadano consciente.
Leones por corderos (Redford, 2007) es una peli reciente, que tal vez se te pasó, no estuvo casi nada en cartel y apenas contó con apoyo mediático, en la que Robert Redford, esta es ya la tercera película (esta y esta, antes) que te recomiendo de un director que siempre me ha fascinado, le arroja directamente al espectador las consecuencias de una sociedad apática, desinformada, conformista.
Tres historias se cruzan con el mismo objetivo de invitar a la reflexión, no ya sobre un hecho concreto, como es la guerra frente al terrorismo, principal catalizador de estas historias, sino sobre la necesidad de tomar partido como ciudadanos antes situaciones que condicionan nuestra vida privada y en sociedad.
Janine Roth (Meryl Streep) acude al despacho del senador Irving (Tom Cruise) para realizarle una entrevista convencional, pero la periodista entiende que la labor de un medio de comunicación debe ser la del servicio público, de ahí que opte por preguntar sobre las consecuencias de la guerra frente al terrorismo iniciada por el gobierno estadounidense. Las respuestas del senador son un manual de retórica política en la que el senador justifica los problemas que pueda ocasionar una guerra con el beneficio que se obtenga de ella, en este caso el fin del terrorismo, pero, ¿el terrorismo se vence con más terror?
Por otra parte, Rodriguez y Finch, son dos jóvenes que entienden que su forma de involucrarse con el mundo que les ha tocado vivir es enrolarse en el ejército y luchar directamente contra quienes consideran enemigos de su nación.
La charla entre el doctor Malley (Robert Redford) y Todd Hayes, su alumno más destacado, es la tercera de las historias que se entrecruzan y constituye una buena muestra de la apatía y los lugares comunes que nos invaden como sociedad, hasta el punto de dejarnos arrastrar aun cuando Roma esté ardiendo a nuestro alrededor.
Hace unas tres o cuatro décadas tendríamos muy claro por qué Leones por corderos pasó desapercibida en nuestros cines: el sistema nos permite hablar de este modo pero hace lo posible para que no se nos oiga. Hoy, una película como Leones por Corderos es presentada como aburrida, proselitista , o, en el mejor de los casos, bienintencionada.
Échale un vistacito y ya me cuentas con qué adjetivo te quedas, a mi se me ocurre necesaria.
Leones por corderos (Redford, 2007) es una peli reciente, que tal vez se te pasó, no estuvo casi nada en cartel y apenas contó con apoyo mediático, en la que Robert Redford, esta es ya la tercera película (esta y esta, antes) que te recomiendo de un director que siempre me ha fascinado, le arroja directamente al espectador las consecuencias de una sociedad apática, desinformada, conformista.
Tres historias se cruzan con el mismo objetivo de invitar a la reflexión, no ya sobre un hecho concreto, como es la guerra frente al terrorismo, principal catalizador de estas historias, sino sobre la necesidad de tomar partido como ciudadanos antes situaciones que condicionan nuestra vida privada y en sociedad.
Janine Roth (Meryl Streep) acude al despacho del senador Irving (Tom Cruise) para realizarle una entrevista convencional, pero la periodista entiende que la labor de un medio de comunicación debe ser la del servicio público, de ahí que opte por preguntar sobre las consecuencias de la guerra frente al terrorismo iniciada por el gobierno estadounidense. Las respuestas del senador son un manual de retórica política en la que el senador justifica los problemas que pueda ocasionar una guerra con el beneficio que se obtenga de ella, en este caso el fin del terrorismo, pero, ¿el terrorismo se vence con más terror?
Por otra parte, Rodriguez y Finch, son dos jóvenes que entienden que su forma de involucrarse con el mundo que les ha tocado vivir es enrolarse en el ejército y luchar directamente contra quienes consideran enemigos de su nación.
La charla entre el doctor Malley (Robert Redford) y Todd Hayes, su alumno más destacado, es la tercera de las historias que se entrecruzan y constituye una buena muestra de la apatía y los lugares comunes que nos invaden como sociedad, hasta el punto de dejarnos arrastrar aun cuando Roma esté ardiendo a nuestro alrededor.
Hace unas tres o cuatro décadas tendríamos muy claro por qué Leones por corderos pasó desapercibida en nuestros cines: el sistema nos permite hablar de este modo pero hace lo posible para que no se nos oiga. Hoy, una película como Leones por Corderos es presentada como aburrida, proselitista , o, en el mejor de los casos, bienintencionada.
Échale un vistacito y ya me cuentas con qué adjetivo te quedas, a mi se me ocurre necesaria.
miércoles, 13 de octubre de 2010
LA JAURÍA HUMANA CONTRA ARTHUR PENN
Estoy cansado de vivir aquí... Esto debió pensar Arthur Penn, hace unas semanas, justo antes de morir, después de haber sido uno de los cineastas más incomprendidos de la Historia del cine. Pero, en realidad, la frase la pronuncia el Sheriff Calder en La Jauría Humana (1966), la obra maestra que Penn dirigiera, sobre un guión de Lillian Hellman, para poner en evidencia la finísima línea que separa sociedad de masa.
Con la excusa de la fuga de Charlie Reeves, un delincuente de poca monta, (interpretado por un desconocido Robert Redford, en su primer papel, más o menos, importante) en una pequeña ciudad del sur de Estados Unidos se inicia una cacería contra él que no hace otra cosa que desatar las miserías que esconde la cotidianidad de sus habitantes. El Sheriff Calder (un magistral Brando) aparece como la representación de la coherencia, la justicia y la ética, en un pueblo dominado por la corrupción política y moral, en lo que no deja de ser una velada crítica a la sociedad estadounidense de la época, sumida en unas enormes desigualdades racistas y xenófobas (expuestas de soslayo en la película) en la incipiente guerra de Vietnam o en la pasividad de una sociedad inculta, ociosa y despreocupada.
Como era evidente una película tan comprometida, presentada de forma tan cruda, no podía tener una buena acogida, menos aún si la guionista había sido acusada de comunista durante la caza de brujas y el propio Penn ya se había destacado como un cineasta demasiado independiente para los gustos de la época con sus anteriores trabajos (El zurdo, 1959, basado en un guión del íntelectual de izquierdas estadounidense por antonomasia: Gore Vidal, donde desmitifica la figura de Billy El niño, El Milagro de Ana Sullivan, 1962, en la que se plantea una reforma del modelo educativo tradicional, que por suerte pasó desapercibida para el gran público, lo que le sirvió a Arthur Penn para conseguir su primera candidatura al Oscar al mejor director, y Acosado, 1965, donde, sin tapujos, se critica el Macarthismo)
Te dejo el trailer de La Jauría Humana, hoy ya una película de culto, en la que curiosamente se da más importancia al productor de la cinta que al director, ya con demasiados enemigos entonces, cuyo nombre ni aparece.
Aún así, la carrera de Penn se mantuvo a flote durante los últimos años sesenta y los setenta, en los que el cine comprometido, al que Arthur Penn añade unas dosis de finísimo humor, contaba con el beneplácito de cierto público intelectual, que era más significativo que en la actualidad, lo que le permitía obtener reconocios éxitos como Bonnie and Clyde, 1967, por la que óbtendría su segunda nominación al oscar al mejor director, El Restaurante de Alicia, 1969, una divertida crítica al militarismo, antes de que llegaran las películas reivindicativas de los setenta, o Pequeño Gran Hombre, 1970, ejemplo perfecto de aculturación malograda, según mi profesora de Culturas Indígenas de América del Norte, que narra las desdichas de un pobre Dustin Hoffman a caballo entre el mundo occidental y el nativo americano (en esta, otra desmitificación del inconsciente colectivo estadounidense, el General Custer aparece como un ególatra e inepto, algo más cercano a la realidad que la fascistoide Murieron con las botas puestas)
A partir de aquí, Penn es ya más un nombre que un director, en La noche se mueve, 1975, el público ve una película policíaca sin vislumbrar el grito desesperado ante la soledad del individuo que Arthur Penn lanza. Desbordado por sus imitadores en las formas (Scorsese, de Palma...) pero sin su fondo crítico, Penn se ve relegado a las filmotecas o incluso a la televisión, por un público cada vez menos exigente, hasta convertirse en uno de esos directores de culto, que quiere decir de los que nadie se acuerda hasta que se mueren, como le ocurrió a Arthur Penn, el otro día, el 28 de septiembre, para ser más exactos.
Con la excusa de la fuga de Charlie Reeves, un delincuente de poca monta, (interpretado por un desconocido Robert Redford, en su primer papel, más o menos, importante) en una pequeña ciudad del sur de Estados Unidos se inicia una cacería contra él que no hace otra cosa que desatar las miserías que esconde la cotidianidad de sus habitantes. El Sheriff Calder (un magistral Brando) aparece como la representación de la coherencia, la justicia y la ética, en un pueblo dominado por la corrupción política y moral, en lo que no deja de ser una velada crítica a la sociedad estadounidense de la época, sumida en unas enormes desigualdades racistas y xenófobas (expuestas de soslayo en la película) en la incipiente guerra de Vietnam o en la pasividad de una sociedad inculta, ociosa y despreocupada.
Como era evidente una película tan comprometida, presentada de forma tan cruda, no podía tener una buena acogida, menos aún si la guionista había sido acusada de comunista durante la caza de brujas y el propio Penn ya se había destacado como un cineasta demasiado independiente para los gustos de la época con sus anteriores trabajos (El zurdo, 1959, basado en un guión del íntelectual de izquierdas estadounidense por antonomasia: Gore Vidal, donde desmitifica la figura de Billy El niño, El Milagro de Ana Sullivan, 1962, en la que se plantea una reforma del modelo educativo tradicional, que por suerte pasó desapercibida para el gran público, lo que le sirvió a Arthur Penn para conseguir su primera candidatura al Oscar al mejor director, y Acosado, 1965, donde, sin tapujos, se critica el Macarthismo)
Te dejo el trailer de La Jauría Humana, hoy ya una película de culto, en la que curiosamente se da más importancia al productor de la cinta que al director, ya con demasiados enemigos entonces, cuyo nombre ni aparece.
Aún así, la carrera de Penn se mantuvo a flote durante los últimos años sesenta y los setenta, en los que el cine comprometido, al que Arthur Penn añade unas dosis de finísimo humor, contaba con el beneplácito de cierto público intelectual, que era más significativo que en la actualidad, lo que le permitía obtener reconocios éxitos como Bonnie and Clyde, 1967, por la que óbtendría su segunda nominación al oscar al mejor director, El Restaurante de Alicia, 1969, una divertida crítica al militarismo, antes de que llegaran las películas reivindicativas de los setenta, o Pequeño Gran Hombre, 1970, ejemplo perfecto de aculturación malograda, según mi profesora de Culturas Indígenas de América del Norte, que narra las desdichas de un pobre Dustin Hoffman a caballo entre el mundo occidental y el nativo americano (en esta, otra desmitificación del inconsciente colectivo estadounidense, el General Custer aparece como un ególatra e inepto, algo más cercano a la realidad que la fascistoide Murieron con las botas puestas)
A partir de aquí, Penn es ya más un nombre que un director, en La noche se mueve, 1975, el público ve una película policíaca sin vislumbrar el grito desesperado ante la soledad del individuo que Arthur Penn lanza. Desbordado por sus imitadores en las formas (Scorsese, de Palma...) pero sin su fondo crítico, Penn se ve relegado a las filmotecas o incluso a la televisión, por un público cada vez menos exigente, hasta convertirse en uno de esos directores de culto, que quiere decir de los que nadie se acuerda hasta que se mueren, como le ocurrió a Arthur Penn, el otro día, el 28 de septiembre, para ser más exactos.
lunes, 30 de agosto de 2010
5 CENTÍMETROS POR SEGUNDO
Cuándo empecé a escribir mensajes que nunca envio? Se pregunta Takaki enamorado desde los trece años de su amiga Akari, enamorada, a su vez, de él. Pero la distancia y el tiempo y esas cosas a las que llamamos vida no suelen ser buenos cmpañeros de viaje de nuestros sueños, y es entonces cuando llega un momento en el que nos damos cuenta de que, tal vez, si te paras a mirar que las hojas de cerezo caen con una cadencia de unos 5 centímetros por segundo...
Cinco centímetros por segundo (Shinkai, 2007) son, en realidad, tres historias que se presentan como una sola en las que vemos cómo Takaki crece sumido en el recuerdo de Akari, esperando reencontrarse con ella, pero temiendo ese momento. Sus vidas les han separado desde que se enamoraran en el instituto, desde que se dieran ese primer y único beso sabedores de que sería el último. Desde entonces no volverán a encontrarse aunque ambos sueñen, a menudo, con la posibilidad de cruzarse, por casualidad, en alguna parte.
Ambientada entre los años noventa y la actualidad, es curioso que en el mundo de la información los dos personajes pierdan todo contacto. Cierto que tienen sus números de teléfono, de hecho Takaki le escribe mensajes que no envía...que no envía porque sabe que, pese a las facilidades de las nuevas tecnologías el tiempo y la distancia y esas cosas a las que llamamos vida...
Vimos 5 centímetros por segundo con cierto temor a defraudarnos. A Mari le encantan los dibujos japoneses pero ya nos habíamos decepcionado con El viaje de Chihiro o esa cosa del castillo volante, vimos tambien La princesa Mononoke, la única que nos gustó un poquillo, y otra de una aprendiz de bruja que no sé cómo se llama. Con Ponyo no pasamos del minuto trece y todavía hay alguna más por ahí. Sinceramente no entendemos los parámetros de la fantasía y esas historias, esos personajes, esas situaciones se nos escapan o, por qué no, nos resultan ridículas, lo siento, sé que hay amigos a quienes les encantan. Mari, apasionada del, como no sé si Manga o si Anime o qué no me atrevo a llamarlo más que, dibujo japonés reclamaba, igual que yo, una historia normal, una historia reconocible, una historia sencilla con personajes sencillos, una historia bonita. Y, Vaya! 5 centímetros por segundo es todo eso en tan sólo una hora, que se hace muy corta, incluso para resolver. Con unos diez minutos más creo que quedaría perfecta.
Mira, te dejo el trailer con la pegadiza cancioncilla del final. Échale un vistazo con carácter de urgencia y sn prejuicios de que se trata de uno de esos rollos japoneses. Es cierto que un poco lacrimógena es, pero qué quieres? Uno tiene esa fibra sensible que...
Cinco centímetros por segundo (Shinkai, 2007) son, en realidad, tres historias que se presentan como una sola en las que vemos cómo Takaki crece sumido en el recuerdo de Akari, esperando reencontrarse con ella, pero temiendo ese momento. Sus vidas les han separado desde que se enamoraran en el instituto, desde que se dieran ese primer y único beso sabedores de que sería el último. Desde entonces no volverán a encontrarse aunque ambos sueñen, a menudo, con la posibilidad de cruzarse, por casualidad, en alguna parte.
Ambientada entre los años noventa y la actualidad, es curioso que en el mundo de la información los dos personajes pierdan todo contacto. Cierto que tienen sus números de teléfono, de hecho Takaki le escribe mensajes que no envía...que no envía porque sabe que, pese a las facilidades de las nuevas tecnologías el tiempo y la distancia y esas cosas a las que llamamos vida...
Vimos 5 centímetros por segundo con cierto temor a defraudarnos. A Mari le encantan los dibujos japoneses pero ya nos habíamos decepcionado con El viaje de Chihiro o esa cosa del castillo volante, vimos tambien La princesa Mononoke, la única que nos gustó un poquillo, y otra de una aprendiz de bruja que no sé cómo se llama. Con Ponyo no pasamos del minuto trece y todavía hay alguna más por ahí. Sinceramente no entendemos los parámetros de la fantasía y esas historias, esos personajes, esas situaciones se nos escapan o, por qué no, nos resultan ridículas, lo siento, sé que hay amigos a quienes les encantan. Mari, apasionada del, como no sé si Manga o si Anime o qué no me atrevo a llamarlo más que, dibujo japonés reclamaba, igual que yo, una historia normal, una historia reconocible, una historia sencilla con personajes sencillos, una historia bonita. Y, Vaya! 5 centímetros por segundo es todo eso en tan sólo una hora, que se hace muy corta, incluso para resolver. Con unos diez minutos más creo que quedaría perfecta.
Mira, te dejo el trailer con la pegadiza cancioncilla del final. Échale un vistazo con carácter de urgencia y sn prejuicios de que se trata de uno de esos rollos japoneses. Es cierto que un poco lacrimógena es, pero qué quieres? Uno tiene esa fibra sensible que...
viernes, 2 de julio de 2010
DENTRO DEL LABERINTO
Ahora que ya estoy de vacaciones, y que Mari aún no ha empezado las suyas, me toca cuidar de Nicolás y mi lumbago empieza a notarlo.
(aquí, partiéndose de risa ante su dolorido padre)
Así que cuando ya no puedo con él nos ponemos unas pelis, que Nicolás nunca ve aunque ese es un dato anecdótico, más aún, cuando sea mayor y ya las entienda volveremos a verlas y todos tan contentos. Ayer pusimos Dentro del Laberinto (Henson, 1986) una maravillosa historia que narra las aventuras que debe superar Sarah para rescatar a su hermano pequeño, Toby, capturado por Jareth, el Rey de los Goblin, y encerrado en su castillo al que se accede tras superar un laberíntico camino. Pero no se trata sólo de una película de fantasía, el laberinto no es sino una fantástica metáfora de la transición desde la niñez a la adolescencia de Sarah, los miedos, las frustaciones, los enfrentamientos con los padres, las ganas de seguir siendo una niña sin responsabilidades, la progresiva toma de conciencia de su nueva situación.
Sarah es una niña de unos trece años inmersa en su mundo de fantasía, representado por el país de los Goblin, gobernado por Jareth, de quien está compleamente enamorada, pero ese amor es lo que le sujeta a la niñez, con lo que tendrá que enfentarse a él y así recuperar a su hermano. Jareth lo ha raptado por petición de la propia Sarah que ha sido encargada por sus padres de cuidarle, a lo que Sarah se niega, en principio, pues ve en su hermano un estorbo para continuar con sus fantasías. Las diversas dificultades por las que pasa Sarah para recuperarlo son ingeniosas pruebas que ponen en evidencia la aceptación de su responsabilidad. Un estupendo barrido por la habitación de Sarah al comienzo de la película permite ver a los personajes con los que luego se encontrará en el Laberinto, incluso el mismo Laberinto es un juguete más de la propia Sarah, y Jareth el amor platónico a modo de ídolo pop. Con todo, la superación de las pruebas no es la pérdida de la niñez completa, los Goblin seguirán estando presentes siempre que Sarah necesite de esos momentos mágicos, que todos necesitamos alguna vez, de ahí que Nicolás y yo, más yo que él, viésemos la peli ayer mismo. (creo que era la decimooctava vez por mi parte)
Jim Henson, creador de Barrio Sésamo, entre otros, cuenta con el genial David Bowie en el papel de Jareth, y con la guapísima Jennifer Connelly como Sarah, además de incluir numerosas referencias al arte contemporáneo: las escaleras imposibles de Escher, los juegos visuales de Sendak, o las figuras de Ron Mueck, que no sólo participa en el diseño de algunos de los personajes sino que interpreta a uno de ellos: es Ludo. Lo que, sumado a la banda sonora del propio Bowie, convierte a Dentro del Laberinto en mucho más que una película para niños.
De hecho en youtube no sólo es posible encontrar videos del film, también puedes toparte con elucubraciones sobre un nuevo encuentro entre Jareth y Sarah. Me ha gustado este
martes, 1 de junio de 2010
UN LUGAR EN EL MUNDO
Tenía diecinueve años cuando ví por primera vez Un lugar en el mundo (Aristarain, 1992) Mari todavía no me ha perdonado que no la llamase para ir juntos al cine. La ví solo, es la única vez que he ido yo solo al cine y salí con ganas, no sé, ganas de hacer algo, lo que fuera, de participar, de saber-me parte del mundo. Esas cosas que se te ocurren a los diecinueve años. He vuelto a ver la película unas cuatro o cinco veces más sin que se me pasen las ganas de. La última hoy mismo. Raúl me propuso, ahora que acabamos nuestras asignaturas y yo hablo de globalización y él de desarrollo, ponerles Un lugar en el mundo a los chicos de bachillerato. Es lo que tiene ser un profe enrollado. Así que nos preparamos el tema, le dedicamos un par de ratos o tres a recordar, casi con devoción, la película (Raúl también es un apasionado de Aristarain) y, tan contentos, se la proyectamos justo cuando la mitad de la clase decide hacer pellas, otros cuantos prefieren estudiar Lengua, que hay examen a última, algún otro bosteza o echa una partidilla con el móvil, un osado añade que él no ve películas argentinas, así, por definición, o por argentinas, supongo, el que menos atiende califica a la película de empalagosa (Empalagosa??? Una película de Aristarain puede ser empalagosa????) y el resto, salvo, dos, no es una exageración, sólo dos han entendido la película, han preferido charlar un rato mientras llegaba la hora del recreo.
Se nos ha quedado, a Raúl y a mí, justo esa cara que se te queda cuando, ya sabes, esa cara. Pero cómo es posible??? Cómo una película que va directamente a los sentimientos, que apela a luchar por la justicia, que reivindica el compromiso, que aboga por la dignidad, puede resultar tan ajena a mis chicos de bachillerato, a mis chicos de diecisite años.
(Para leer en interrogativa) Es probable que, igual que los contenidos de Literatura estén completamente desfasados y no tenga ningún sentido para los alumnos leer Las Novelas Ejemplares o yo qué sé qué mierdas leen en Literatura, Un lugar en el mundo esté planteada desde unos parámetros muy lejanos a los chicos de diecisiete años de hoy en día. Mis diecinueve no son sus diecisiete, pero aún no me he enterado. Es posible que no se sientan identificados con el personaje de Ernesto, el hijo adolescente de los protagonistas, ni con su manera de atraerse a la chica que le gusta a través de la lectura. Es probable que no entiendan que los personajes de Cecilia Roth o José Sacristán se sientan fuertemente atraidos y no consuman su relación más que con un beso en la mejilla y cientos de miradas. Es posible que presentar una batalla, perdida de antemano, les resulte no sólo ajeno sino absurdo. Es posible que el término justicia o dignidad o derrota no tengan ningún significado para ellos.
También a nosostros nos aburrían las películas en las que no pasaba nada, en las que los personajes se la pasan hablando todo el rato y ya, y nada. También a nosotros nos empezó a gustar el buen cine, la buena música, los buenos libros, de a poco, que quieres Julito??? Nuestra generación también ha contribuido al atontamiento generalizado. Tampoco es tan grave.
Reconozco haber salido muy decepcionado, más conmigo que con ellos, de la clase. Raúl, siempre buscando el lado positivo de todo comentaba "nuestra labor es ir sembrando" Ya llegará el tiempo de la cosecha.
Mira, a Juan Diego Botto le pasó lo mismo que a mí cuando vio Un lugar en el mundo.
Ya no somos los únicos raros. Ahora somos tres.
Se nos ha quedado, a Raúl y a mí, justo esa cara que se te queda cuando, ya sabes, esa cara. Pero cómo es posible??? Cómo una película que va directamente a los sentimientos, que apela a luchar por la justicia, que reivindica el compromiso, que aboga por la dignidad, puede resultar tan ajena a mis chicos de bachillerato, a mis chicos de diecisite años.
(Para leer en interrogativa) Es probable que, igual que los contenidos de Literatura estén completamente desfasados y no tenga ningún sentido para los alumnos leer Las Novelas Ejemplares o yo qué sé qué mierdas leen en Literatura, Un lugar en el mundo esté planteada desde unos parámetros muy lejanos a los chicos de diecisiete años de hoy en día. Mis diecinueve no son sus diecisiete, pero aún no me he enterado. Es posible que no se sientan identificados con el personaje de Ernesto, el hijo adolescente de los protagonistas, ni con su manera de atraerse a la chica que le gusta a través de la lectura. Es probable que no entiendan que los personajes de Cecilia Roth o José Sacristán se sientan fuertemente atraidos y no consuman su relación más que con un beso en la mejilla y cientos de miradas. Es posible que presentar una batalla, perdida de antemano, les resulte no sólo ajeno sino absurdo. Es posible que el término justicia o dignidad o derrota no tengan ningún significado para ellos.
También a nosostros nos aburrían las películas en las que no pasaba nada, en las que los personajes se la pasan hablando todo el rato y ya, y nada. También a nosotros nos empezó a gustar el buen cine, la buena música, los buenos libros, de a poco, que quieres Julito??? Nuestra generación también ha contribuido al atontamiento generalizado. Tampoco es tan grave.
Reconozco haber salido muy decepcionado, más conmigo que con ellos, de la clase. Raúl, siempre buscando el lado positivo de todo comentaba "nuestra labor es ir sembrando" Ya llegará el tiempo de la cosecha.
Mira, a Juan Diego Botto le pasó lo mismo que a mí cuando vio Un lugar en el mundo.
Ya no somos los únicos raros. Ahora somos tres.
viernes, 7 de mayo de 2010
MASH
Vimos Los hombres que miraban fíjamente a las cabras (Heslov, 2009) con cierta incredulidad que fuimos superando, a medida que la peli avanza, hasta rendirnos ante la película más absurda que hayamos visto nunca. Con todo, sinceramente, me parece más que recomendable. Todo un discurso antibelicista a base de situaciones que rayan lo paranóico sumado a unas intrepretaciones, a mi juicio, formidables. Puedes leer numerosas críticas absolutamente negativas y radicalmente demoledoras sobre ella, pero si te fías, échale un vistacito. No es necesario estar colocado para entenderla. Es más, nosotros la vimos de lo más sobrio y nos encantó. Más aún, cuando terminó, así con una escena en la que un helicóptero remonta el vuelo, me atreví a compararla con el cenit del cine antibelicista en clave de humor: exacto! La comparé con MASH. Comparación que hoy no mantengo, por otra parte, porque a cabo de volver a ver MASH y, en fin, es otra cosa; es una obra maestra.
Ambientada en la guerra de Corea, MASH, (Altman, 1970) cuenta la cotidiana vida en un hospital de campaña estadounidense en el que la locura aparece como el último recurso para no volverse loco. El dilema moral que se le plantea a los responsables médicos del hospital militar sabedores de que la mayoría de sus pacientes, una vez recuperados gracias a su labor, volverán al frente, se resuelve apostando por el absurdo, la coherencia de unos profesionales implicados con su trabajo y la conciencia de que sus vidas dependen de unos intereses que no son los mismos que los de un grupo de hombres y mujeres movilizados a la fuerza. De ahí que el suicidio de unos de los personajes, un momento clave, se plantee como otra opción válida ante la fatalidad del ser humano, (MASH no es sólo una película de humor) acompañado de un fantástico tema, de Johnny Mandel, llamado Suicide is painlesss. una de mis canciones favoritas.
Es evidente que aunque el escenario fuera la guerra de Corea, en pleno año 1970 la película remitiera, claramente, a la guerra de Vietnam, de ahí que el guión pasara desapercibido y la distribución fuera muy reducida, en casi toda Europa Occidental se proyectó en pases para mayores de 18 años. Esta condición de película menor, lo que hoy llamaríamos independiente, aún siendo una película de la 20 Century Fox, propició que pronto se convirtiera en eso que los horteras denominan película de culto.
Ridiculizando cualquier discurso patrioterista y si perder un ápice de vigencia, MASH cumple, este año, unos fantásticos 40 que la mantienen en plena forma. Os dejo el trailer
Ambientada en la guerra de Corea, MASH, (Altman, 1970) cuenta la cotidiana vida en un hospital de campaña estadounidense en el que la locura aparece como el último recurso para no volverse loco. El dilema moral que se le plantea a los responsables médicos del hospital militar sabedores de que la mayoría de sus pacientes, una vez recuperados gracias a su labor, volverán al frente, se resuelve apostando por el absurdo, la coherencia de unos profesionales implicados con su trabajo y la conciencia de que sus vidas dependen de unos intereses que no son los mismos que los de un grupo de hombres y mujeres movilizados a la fuerza. De ahí que el suicidio de unos de los personajes, un momento clave, se plantee como otra opción válida ante la fatalidad del ser humano, (MASH no es sólo una película de humor) acompañado de un fantástico tema, de Johnny Mandel, llamado Suicide is painlesss. una de mis canciones favoritas.
Es evidente que aunque el escenario fuera la guerra de Corea, en pleno año 1970 la película remitiera, claramente, a la guerra de Vietnam, de ahí que el guión pasara desapercibido y la distribución fuera muy reducida, en casi toda Europa Occidental se proyectó en pases para mayores de 18 años. Esta condición de película menor, lo que hoy llamaríamos independiente, aún siendo una película de la 20 Century Fox, propició que pronto se convirtiera en eso que los horteras denominan película de culto.
Ridiculizando cualquier discurso patrioterista y si perder un ápice de vigencia, MASH cumple, este año, unos fantásticos 40 que la mantienen en plena forma. Os dejo el trailer
lunes, 4 de enero de 2010
L'HABITACIÓ DE FERMAT
Seguro que alguna vez se te ha ocurrido qué pasaría si, en lugar de a los imbéciles descerebrados que encierran en la casa de Gran Hermano, los concursantes fuesen eruditos tipo Punset. Es lo que debieron pensar Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña cuando idearon L' habitació de Fermat (2007) una de las pocas películas recientes que nos ha gustado en la que cuatro matemáticos son invitados a participar en un juego por el que serán encerrados en una habitación para resolver una serie de enigmas. A cada error en la resolución la sala va menguando con lo que los cuatro deben dar, rápidamente, con las soluciones correctas, mientras averiguan quién les ha encerrado y por qué quiere asesinarles.
Protagonizada por Lluís Homar, un actor muy popular en Cataluña, que tras Los Abrazos Rotos (Almodóvar, 2009) se ha ganado un nombre también en España, un irreconocible Santi Millán sin barba y con el pelo corto, Alejo Sauras, sí, el tipo ese de Los Serrano, y la prescindible Elena Ballesteros, parece ser que salía en La Familia Mata (ni idea), la primera película de Piedrahita y Sopeña es un emocionantísimo thriller lleno de misterio, un fantástico guión lleno de sobresaltos y dosis de humor. En la peli también participa el gran Federico Luppi, dándole un toque de maestría interpretativa. L'habitació de Fermat mereció una nominación a la mejor película en el festival de Sitges y una interesante acogida por parte de la crítica, pero no así del público, que ese año prefirió esa horripilante cosa llamada Rec o la no menos horible El Horfanato, en fin, cosas que pasan, y por si se te pasó en su día no te la pierdas ahora.
Piedrahita y Sopeña preparan un nueva peli para el año 2011, algo sobre un atraco a un banco, seguro que en la misma línea. Mientras, échale un vistazo a esta: te sorprenderá. Además hay un entrañable homenaje a Dentro del Laberinto (Henson, 1986) esa peli que tanto nos gusta de la que hablaremos en otro momento.
Te dejo el trailer para ir abriendo boca, y un tema de Los Planetas que sirve de banda sonora.
El tema de Los Planetas se llama "Te mereces una corona de estrellas (romeras)" y prometo que en la peli suena mucho mejor que aquí.
Protagonizada por Lluís Homar, un actor muy popular en Cataluña, que tras Los Abrazos Rotos (Almodóvar, 2009) se ha ganado un nombre también en España, un irreconocible Santi Millán sin barba y con el pelo corto, Alejo Sauras, sí, el tipo ese de Los Serrano, y la prescindible Elena Ballesteros, parece ser que salía en La Familia Mata (ni idea), la primera película de Piedrahita y Sopeña es un emocionantísimo thriller lleno de misterio, un fantástico guión lleno de sobresaltos y dosis de humor. En la peli también participa el gran Federico Luppi, dándole un toque de maestría interpretativa. L'habitació de Fermat mereció una nominación a la mejor película en el festival de Sitges y una interesante acogida por parte de la crítica, pero no así del público, que ese año prefirió esa horripilante cosa llamada Rec o la no menos horible El Horfanato, en fin, cosas que pasan, y por si se te pasó en su día no te la pierdas ahora.
Piedrahita y Sopeña preparan un nueva peli para el año 2011, algo sobre un atraco a un banco, seguro que en la misma línea. Mientras, échale un vistazo a esta: te sorprenderá. Además hay un entrañable homenaje a Dentro del Laberinto (Henson, 1986) esa peli que tanto nos gusta de la que hablaremos en otro momento.
Te dejo el trailer para ir abriendo boca, y un tema de Los Planetas que sirve de banda sonora.
El tema de Los Planetas se llama "Te mereces una corona de estrellas (romeras)" y prometo que en la peli suena mucho mejor que aquí.
miércoles, 18 de noviembre de 2009
ALL THAT JAZZ
Los lunes a segunda tengo cafetería, bueno y los miércoles a cuarta, y los viernes también hay un ratito y ...el caso es que este lunes a segunda tomaba un café con Raúl de Economía y Óscar de Educación Física, y al hilo del centenario de la Gran Vía y del libro de Edward Baker, que alguno ya había echado un vistazo por adelantado, hablamos de este intento de Madrid (pero qué es Madrid, su ayuntamiento?, sus vecinos? una Forma de Hablar?) por mostrarse al mundo como la quinta esencia del escenario musical.
Madrid capital mundial del musical es algo que, en principio, se me queda un poco grande para una ciudad que empezó a vivir el musical como un fenómeno de masas a principios de esta década, ¿¿¿¿y la zarzuela que es a donde apunta Baker??? Fijate, ahí sí, es posible que esa relación entre zarzuela y espectáculo vanal sea la que se revive ahora con las supuestas ganas de los madrileños por acudir a musicales varios con fervoroso entusiasmo, es decir, el musical de los cuarenta principales, por ejemplo, tiene una gran acogida porque los temas interpretados son conocidos con anterioridad, son fáciles, y la trama que los enlaza no requiere demasiado esfuerzo intelectual para segurila, igual ocurre con Grease, exitosa después de emitir telecinco la película, sólo en este año, unas 236 veces, y no olvidemos cierto snobismo pequeño burgués del madrileño que adopta la moda del musical porque cree que es el no va más neoyorkino. Igual ocurre, creo, con el cine musical, hace unos años Mouline Rouge obtuvo un tremendo éxito con una historia de amor, bonita si quieres, aderezada con hits pop conocidos por todos, Chicago, sin embargo, óscars y premios incluidos, no obtuvo en Europa el reconocimiento que obtuvo en EEUU (un BAFTA a la horripilante actuación de Z. Jones, y otro al mejor sonido, único reconocimiento europeo) supongo que por lo contrario, trama compleja, números musicales lejanos al pop, etc. Que conste que a mí tampoco me gustó.
Pero sí me gustan los musicales, y por eso me sorprendo del éxito, y por eso sé que, igual que, qué sé yo, la Fórmula 1, es sólo una moda pasajera, y por eso, también, quiero recomendarte una de mis películas favoritas que, casualmente, es un musical: All That Jazz.
All That Jazz (Fosse, 1979) es un fenomenal diálogo entre Joe Gideon, un coreógrafo crápula, vividor, adicto a las anfetaminas, genio de la danza, (interpretado por Roy Scheider, [sí, el de Tiburón] en su mejor papel, sin duda) y su propia muerte (la bellísima Jessica Lange) quien le evidencia que pese a su éxito profesional su vida le ha llevado a varios fracasos amorosos, una relación desastrosa con su hija y cierta tendencia a la sociopatia, que todo genio guarda dentro, lo que provocará que muera entre el aplauso de sus congéneres y el alivio de quienes le odian.
Bob Fosse, uno de los renovadores más aventajados de la danza moderna, concibió la película como la historia de su propia vida, de hecho él mismo moría, tras una azarosa vida, siete años más tarde del estreno de All That Jazz, y, así, en ella podemos encontrarnos con toda una filosofía del carpe diem en la que su alter ego Gideon no deja escapar un sólo segundo de excesos, orgias, drogas y música, en perjuicio, eso sí, de una ex esposa que ve en él al genio que es, de una hija con el peor padre del mundo, de una amante que lo adora aunque él sea incapaza de amarla, de unos colaboradores que lo son porque él es, sin duda, el mejor.
Cuatro óscars recibió la peli, entre ellos el de mejor montaje, fijate en éste, por ejemplo, todo un lujo, con esa pieza musical que no consigo saber cuál es. (Vivaldi?)
No encuentro el trailer, pero sí el comienzo de la peli y a partir de ahí un par de horas fantásticas, ya verás.
Madrid capital mundial del musical es algo que, en principio, se me queda un poco grande para una ciudad que empezó a vivir el musical como un fenómeno de masas a principios de esta década, ¿¿¿¿y la zarzuela que es a donde apunta Baker??? Fijate, ahí sí, es posible que esa relación entre zarzuela y espectáculo vanal sea la que se revive ahora con las supuestas ganas de los madrileños por acudir a musicales varios con fervoroso entusiasmo, es decir, el musical de los cuarenta principales, por ejemplo, tiene una gran acogida porque los temas interpretados son conocidos con anterioridad, son fáciles, y la trama que los enlaza no requiere demasiado esfuerzo intelectual para segurila, igual ocurre con Grease, exitosa después de emitir telecinco la película, sólo en este año, unas 236 veces, y no olvidemos cierto snobismo pequeño burgués del madrileño que adopta la moda del musical porque cree que es el no va más neoyorkino. Igual ocurre, creo, con el cine musical, hace unos años Mouline Rouge obtuvo un tremendo éxito con una historia de amor, bonita si quieres, aderezada con hits pop conocidos por todos, Chicago, sin embargo, óscars y premios incluidos, no obtuvo en Europa el reconocimiento que obtuvo en EEUU (un BAFTA a la horripilante actuación de Z. Jones, y otro al mejor sonido, único reconocimiento europeo) supongo que por lo contrario, trama compleja, números musicales lejanos al pop, etc. Que conste que a mí tampoco me gustó.
Pero sí me gustan los musicales, y por eso me sorprendo del éxito, y por eso sé que, igual que, qué sé yo, la Fórmula 1, es sólo una moda pasajera, y por eso, también, quiero recomendarte una de mis películas favoritas que, casualmente, es un musical: All That Jazz.
All That Jazz (Fosse, 1979) es un fenomenal diálogo entre Joe Gideon, un coreógrafo crápula, vividor, adicto a las anfetaminas, genio de la danza, (interpretado por Roy Scheider, [sí, el de Tiburón] en su mejor papel, sin duda) y su propia muerte (la bellísima Jessica Lange) quien le evidencia que pese a su éxito profesional su vida le ha llevado a varios fracasos amorosos, una relación desastrosa con su hija y cierta tendencia a la sociopatia, que todo genio guarda dentro, lo que provocará que muera entre el aplauso de sus congéneres y el alivio de quienes le odian.
Bob Fosse, uno de los renovadores más aventajados de la danza moderna, concibió la película como la historia de su propia vida, de hecho él mismo moría, tras una azarosa vida, siete años más tarde del estreno de All That Jazz, y, así, en ella podemos encontrarnos con toda una filosofía del carpe diem en la que su alter ego Gideon no deja escapar un sólo segundo de excesos, orgias, drogas y música, en perjuicio, eso sí, de una ex esposa que ve en él al genio que es, de una hija con el peor padre del mundo, de una amante que lo adora aunque él sea incapaza de amarla, de unos colaboradores que lo son porque él es, sin duda, el mejor.
Cuatro óscars recibió la peli, entre ellos el de mejor montaje, fijate en éste, por ejemplo, todo un lujo, con esa pieza musical que no consigo saber cuál es. (Vivaldi?)
No encuentro el trailer, pero sí el comienzo de la peli y a partir de ahí un par de horas fantásticas, ya verás.
lunes, 9 de noviembre de 2009
GOSSIP
La semana pasada tuve que cambiar de sitio a algunos chicos de mi tutoría a petición de varios profes, pensé que en 1º de Bachillerato ya no tenía sentido este tipo de actuaciones porque los alumnos son más maduros etc., siempre hay excepciones. El caso es que tras los cambios, vino a quejarse de su nuevo sitio una chica, cuyo nombre prefiero no mencionar, porque, según ella, su nueva compañera "huele mal". Le pedí que me lo explicara en el departamento donde se retractó y confesó que realmente quería volver a su sitio habitual para estar con su amiga tal, y había inventado esa excusa. Le expliqué que ese tipo de afirmaciones no tenían sentido y que era tremendamente injusto lanzar un comentario así, aunque no hubiera llegado a los oidos de su compañera, que cualquiera, yo mismo, podría inciar un rumor similar diciendo, por ejemplo, que ella robaba dinero o que le quitaba el novio a sus amigas o mil cosas. Creo que lo entendió, aunque, en el fondo, se ocultaba cierto racismo, muy evidente en una localidad tan conservadora como Brunete: su compañera es de origen musulmán y los estereotipos, ya sabes. Hoy mismo les he hablado de la emigración española a paises europeos durante los años cincuenta y sesenta del siglo pasado, haciendo constar que entre las sociedades receptoras de esa emigración también corrian rumores sobre el mal olor corporal de los españoles, o que estos eran unos vagos, o que no sabían vivir en sociedad porque viene de lugares muy atrasados... me da que ha servido de poco.
Pero el episodio me ha recordado a la peli que vimos el otro día, Gossip (Guggenheim, 2000) en la que un grupo de universitarios tiene que preparar un trabajo de clase sobre los circuitos de la comunicación y deciden hacer circular en su universidad un rumor para comprobar cómo éste se difunde, se agranda, y vuelve a la fuente original transformado. Por supuesto, el rumor se les escapa de las manos.
El dilema ético que presenta la historia, muy útil para mis ex clases de ética, algún día lo pondré en práctica, se complementa con la ausencia de contraste en las fuentes de información, lo que aporta una lectura más a la peli , ¿por qué nos creemos lo que nos creemos?
Pero no se trata de un ensayo sesudo ni nada parecido. Es una peliculita de adolescentes, un poco más trabajada, con el guapísimo James Mardsen por un lado y Lena Headey por otro, acompañados del siempre fantástico Edward James Olmos, Que sale un ratito sólo y al final, para que hubiera algún actor de verdad, supongo, peliculita un poco más decente que la media, que se cae al final cuando se olvida de la reflexión ética en favor de una trama policial nada atractiva.
Echale un vistacito y me cuentas.
A nosotros nos sugirió un par de sandwiches con zumo de algo mientras nos preguntábamos por la presunción de culpabilidad de cada uno.
Fijate en el trailer cómo una sola palabra cambia el sentido de la frase... (fíjate que escribí fijate sin acento...)
Pero el episodio me ha recordado a la peli que vimos el otro día, Gossip (Guggenheim, 2000) en la que un grupo de universitarios tiene que preparar un trabajo de clase sobre los circuitos de la comunicación y deciden hacer circular en su universidad un rumor para comprobar cómo éste se difunde, se agranda, y vuelve a la fuente original transformado. Por supuesto, el rumor se les escapa de las manos.
El dilema ético que presenta la historia, muy útil para mis ex clases de ética, algún día lo pondré en práctica, se complementa con la ausencia de contraste en las fuentes de información, lo que aporta una lectura más a la peli , ¿por qué nos creemos lo que nos creemos?
Pero no se trata de un ensayo sesudo ni nada parecido. Es una peliculita de adolescentes, un poco más trabajada, con el guapísimo James Mardsen por un lado y Lena Headey por otro, acompañados del siempre fantástico Edward James Olmos, Que sale un ratito sólo y al final, para que hubiera algún actor de verdad, supongo, peliculita un poco más decente que la media, que se cae al final cuando se olvida de la reflexión ética en favor de una trama policial nada atractiva.
Echale un vistacito y me cuentas.
A nosotros nos sugirió un par de sandwiches con zumo de algo mientras nos preguntábamos por la presunción de culpabilidad de cada uno.
Fijate en el trailer cómo una sola palabra cambia el sentido de la frase... (fíjate que escribí fijate sin acento...)
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